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作为一名活跃于韩国、日本和欧洲的画家、凋塑家及哲学家，李禹焕是最先打破制度与文化传统的人物之一。他被公认为日本前卫反形式主义「物派」(Mono-ha)及韩国1960-80年代单色画运动(Dansaekhwa) 的首要倡导者，成功捨弃了绘画的表象和具体性，取而代之的是还原性的简约元素，与东方哲学中的道家法则相呼应。多年以来，李禹焕的努力奠定了他在艺坛的重要地位，他对韩国和日本艺术发展的贡献备受肯定，更被誉为日韩最伟大的现代艺术家和美学理论家之一。2011年六月，李禹焕将于着名的古根汉美术馆(Guggenheim Museum)举办其首次回顾展，名为「点画无限(Marking Infinity)」，成为继白南准和蔡国强之后第三名于该馆举办个人展览的亚洲艺术家。

  李禹焕对影像的广义逻辑和绘画意义的深入见解，源于他沉痛的亲身经历。日本入侵(1910-1945)与韩国内战(1951-1953)这两大朝鲜半岛的政治战争，促使他于1956年，在首尔国立大学修读艺术期间，毅然决定到日本大学研修哲学。他1969年发表的论文《由物体到存在 (from object to being)》，凭着超越前人的思想层次受到了注目，其后日本政府更正式表扬他对日本现代艺术发展的贡献。他睿智的绘画风格独特且极富诗意，作品包括「由点与线 」(1972-84)、「由风而来 (1982-86)」(From Wind)、「与风同在 」(1987-91)、「对应」 (1991-2006)和「对话」 (2006)系列，它们各自均以「空」的宏阔概念为基础，全都用了各式各样的延伸 (线)、跳跃 (点)、旋转 (风) 或停顿(对应)笔触来表达。人们通常会拿它们跟极简主义作比较，因两者在美学上确有若干相似之处，然而韩国单色绘画在理论基础上与西方艺术并不相同，即使它包含了西方概念艺术的实践模式。它是艺术家的一种心灵洗涤过程，藉着画者的自觉与浑然忘我回归自然，反映了东方文人画的冥想状态。我们可拿韩国单色画家的创作动机与概念艺术先驱索尔•勒维特 (Sol Lewitt) 的理论基础作一比较：「在概念艺术中，意念或概念是作品最重要的一环。当一名艺术家採取了概念化的艺术形式，即表示所有铺排和决定都是预设好的，执行只是例行公事。那就是说，意念成为了创造艺术的机器。」   李禹焕的画哲学意味深重，图像却十分轻盈。他运用了中性色调，把传统与现代、东方和西方串连起来。对他而言，一块空白的画布就是创作的无限宇宙，而重复的绘画动作则为个人修养的表达，艺术由此而生。在《由点开始》(Lot 1018) 中，寓意无限、智慧、时间和空间的柔和米白色，为这组充满韵律感图像的背景，让笔触佈下的钴蓝色点在上面跃动。在李禹焕眼中，这片看来空无一物的背景就是意念发挥的境地，容许所有可能之创造，而自然或色彩之本质在其中也变得显而易见。法国艺术家伊夫•克莱因 (Yves Klein) 说过「我的单色陈述就是自由的风景」，李禹焕亦採取了相似的做法，以悉心铺排的渐层蓝彩朗诵出他的宇宙诗篇。在韩国传统中，蓝色与天地美善关系密切，它不但带出希望、生命、正直和灵性，也是朝鲜王朝瓷器「bakeja」上之图饰常用的颜色。李禹焕画作所展现的朴素美，就如于传统瓷器的白瓷光泽之间勾画出蓝彩，渗入了儒家思想的素养，追求非物质的理想。他将自己对生命的探究，解构成排列简洁而充满张力的蓝点群，每组图桉与空白佈置精准，空间分明。虽然动用的元素极少，却有效地制造出线条在流动的迷人视觉效果，因蓝色在画布上泛着微光，激起了一股奇妙的活力。这美如交响乐的光学现象，使我们经验到一种像丹•弗拉文 (Dan Flavin) 极简主义绘画的「振动感知」，它如磁铁般吸引着我们，而两位艺术家皆深信，还原性艺术的纯粹和整合性，可创造出「令人沉思冥想」的作品。画面的浮光效果亦来自李禹焕的自家制颜料，他将研磨好的矿物色粉溶于晶状乳液，再溷进动物皮胶使用，质感因而与众不同。   《由点开始》以相同的笔触单位结合时间的积累画成，逐笔印下，画布均质而适量地吸收颜料，笔印由浓转澹，由深转浅，比喻生命的消逝。李禹焕小心控制每一笔颜料的多寡，着意令色彩消去，就像要脱去外在的现实，洗涤心灵至终极的虚空，与自然更亲近。颜料渗透在掌控下显得出奇地轻快，反映出李禹焕在自我修炼上的严谨和专注，体现了跟东方书法相同的心智法则──要透过传送出我们活着的精髓，来打开「气」这股宇宙生命力。   《由点开始》是韩国单色绘画及日本物派运动全盛时期的创作，也是李禹焕毕生代表作之一。它融合了艺术家自身的思想觉醒和对图像方面的探索，随着笔触与画布之间的辩证互动，李禹焕回归到绘画、图画的基本元素──即线或点。线的首要功能在他的理论体系中具有崭新的意义，既可作为一个影像，也是一种姿态，渗出丰富的表现力和诗意。它是始也是终，为东方书法与绘画的首要元素。李禹焕曾说过「水平轴所表达的意象，就是无限延伸的虚空。」它意味着一个无界限的空间，甚至包括了整个高深莫测的世界，这令他的画添上存在主义及万物共存的意识。他亦喜欢深入思考受造之物与它所在空间之关系，考量某一事物的位置相对于其他事物的位置，从而揭露并深化一个新的空间。他如是说：「一件艺术作品倘能化身成一个『虚无的境地』就是最理想的，不是说艺术作品的存在性、目标性或概念性特质不好，然而外表宏伟的艺术作品，往往会放大了事物的物质性，限制了人类意识对它的理解，或设定了个人要传递给观众的讯息。我们看一件艺术作品之所以觉得有趣是因为共鸣和偶遇，因此，我们会希望艺术作品可发挥到一种中介效果，把四周一切抽空，并为它所存在的空间带来某种超然性。在偶遇的被动和主动之间，我们对眼前所见的不明确感，意味着在这场所中，知觉已超越了客观，那绝对可称之为虚无的境地。」(李禹焕，《艺术上的偶遇 (The Art of Encounter)》，Lissan Gallery，2004年)